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Perchè il cervello umano ha bisogno dell’arte?
L’arte in tutte le sue manifestazioni costituisce una caratteristica essenziale che identifica l’essere umano, ha permesso di trasmettere la cultura in tutta la sua estensione ed è stata ed è fondamentale per la sua sopravvivenza.
Il nostro cervello plastico ha bisogno dell’arte. Già nei primi anni e in modo naturale, il bambino gioca, canta, balla, disegna e tutte queste attività sono essenziali per il suo corretto sviluppo sensoriale, motorio, cognitivo, emotivo e in definitiva cerebrale che gli permetterà di imparare ad apprendere. E facendo tutte queste attività il bambino si diverte, mostra con orgoglio agli altri i suoi risultati, cerca di migliorare e questo è un modo efficace per allenare una delle grandi virtù dell’essere umano: l’ autocontrollo .
L’educazione artistica è una necessità non perché ci renda più intelligenti ma perché ci permette di acquisire tutta una serie di abilità e routine mentali che sono pienamente in linea con la natura sociale dell’essere umano e che sono essenziali per l’apprendimento di qualsiasi percorso curriculare. contenuto. E questo è utile per tutti gli studenti, quindi diventa un ottimo modo per affrontare la diversità in classe.
IL CERVELLO ARTISTICO
Le neuroimaging cerebrali rivelano alcuni indizi sul motivo per cui le attività artistiche sono così importanti. Così, ad esempio, è noto che alcune strutture della corteccia uditiva rispondono solo ai toni musicali, che una parte importante del cervello e del cervelletto è coinvolta nella coordinazione di tutti i tipi di movimenti, come nella danza, che nelle ricreazioni teatrali regioni del cervello specializzate nel linguaggio orale collegate al sistema limbico ci forniscono la componente emotiva o, riferendosi alle arti visive, il nostro sistema di elaborazione visiva genera immagini reali o fittizie con la stessa facilità (Sousa, 2011). Come possiamo vedere nella figura 1, ogni attività artistica attiva diverse regioni del cervello. La musica viene elaborata nella corteccia uditiva che si trova nel lobo temporale, le arti che implicano movimento come la danza o il teatro attivano la corteccia motoria, le arti visive come la pittura vengono elaborate principalmente nei lobi occipitali e temporali, mentre la poesia o la prosa coinvolgono il Broca e aree di Wernicke relative all’elaborazione linguistica (Posner et al., 2008).
PERCHÉ INSEGNARE LE ARTI?
Gli studi che hanno analizzato l’implementazione dell’educazione artistica in classe hanno rivelato che gli effetti più potenti si riscontrano in quei programmi che sono pienamente integrati nelle materie del curricolo e che quando ciò avviene si ottengono molteplici benefici legati all’apprendimento delle materie scolastiche. studenti e il loro comportamento. Rabkin e Redmond (2004) hanno identificato quelli più significativi:
- C’è un maggiore impegno emotivo degli studenti in classe.
- Gli studenti lavorano più attivamente e imparano gli uni dagli altri.
- I gruppi di apprendimento cooperativo trasformano le classi in comunità di apprendimento.
- L’apprendimento è facilitato in tutte le materie attraverso le arti.
- Gli insegnanti collaborano di più e hanno aspettative più elevate nei confronti dei loro studenti.
- Il curriculum diventa più reale quando si basa sull’apprendimento basato su progetti.
- La valutazione è più riflessiva e varia.
- Le famiglie vengono maggiormente coinvolte.
Da una prospettiva neuroeducativa, siamo particolarmente interessati a tre fattori essenziali per l’apprendimento che le arti possono migliorare.
La memoria
In uno studio con studenti di quinta elementare (10-11 anni), le unità didattiche relative a materie scientifiche (astronomia ed ecologia) sono state progettate seguendo due diverse procedure: in una è stato utilizzato l’approccio tradizionale e nell’altra le arti sono state integrate nel contesto unità. Così, ad esempio, nel secondo caso, gli studenti hanno svolto attività con obiettivi didattici definiti che prevedevano rappresentazioni teatrali, disegno di manifesti, ricreazione di movimenti o uso della musica. Dall’analisi dei risultati è emerso che gli studenti che hanno partecipato all’unità didattica in cui erano integrate attività artistiche hanno migliorato la loro cosiddetta memoria a lungo termine, in particolare gli studenti con difficoltà di lettura (Hardiman et al., 2014).
Le emozioni
In uno studio longitudinale durato tre anni, abbiamo voluto analizzare come l’integrazione di diversi programmi artistici abbia influenzato lo sviluppo personale di studenti di età compresa tra 9 e 15 anni che appartenevano a contesti socioeconomici svantaggiati. Nella prima parte del programma, gli studenti del gruppo sperimentale potevano scegliere tra diverse forme artistiche come musica, pittura, registrazione video, scrittura di sceneggiature o disegno di maschere; nella seconda, i media scelti sono stati approfonditi attraverso il lavoro cooperativo; e nella fase finale alla quale hanno partecipato tutti gli studenti, è stata messa in scena una rappresentazione teatrale ed è stato registrato un video sulla comunità scolastica stessa. I tre anni di applicazione del programma hanno rivelato che gli studenti hanno migliorato le loro abilità artistiche e sociali, ridotto i loro problemi emotivi e, in generale, hanno sviluppato più del gruppo di controllo tutta una serie di abilità interpersonali come la comunicazione, la cooperazione o la risoluzione dei problemi. (Wright et al., 2006).
La creatività
Le arti insegnano ai bambini che i problemi reali di solito hanno più di una soluzione possibile, che è necessario analizzare i compiti da diverse prospettive, che l’immaginazione è una potente guida nei processi di risoluzione o che non sempre esistono regole definite quando devono realizzarsi. decisioni (Eisner, 2004). Quando le discipline artistiche sono integrate nelle pratiche pedagogiche, negli studenti viene promosso il pensiero creativo e divergente e non solo, ma sviluppano anche un pensiero più profondo. Un esempio di quest’ultimo si potrebbe trovare nel programma Artful Thinking sviluppato dal Project Zero di Harvard, che utilizzava il potere delle immagini visive (vedi figura 2), come quelle delle opere d’arte, per stimolare processi come la curiosità, l’osservazione, il confronto o relazione tra idee essenziali per lo sviluppo del pensiero creativo e dell’apprendimento (Hardiman, 2012).
Figura 2. Attraverso la metafora della paletta di un pittore, si mostrano le sei disposizioni nella quale si focalizza il programma Artful Thinking: chiedere, investigare, osservare e descrivere, ragionare, esplorare punti di vista, comparare, relazionare e scovarne la complessità (www.pzartfulthinking.org/index.php)
Di seguito commentiamo gli aspetti rilevanti di alcune discipline artistiche:
MUSICA
La musica ci fa sentire bene perché stimola il nostro sistema di ricompensa cerebrale, che rilascia dopamina e che ci fa sentire bene. Dal punto di vista emotivo è benefico ascoltare la musica, ma dal punto di vista cognitivo è meglio praticarla. Così, ad esempio, l’attivazione simultanea delle aree sensoriali e motorie quando si suona uno strumento musicale porta al miglioramento di capacità generali come la memoria di lavoro o l’attenzione (Mora, 2013). Tuttavia, ci sono molti malintesi a riguardo.
La musica ci rende più intelligenti?
Esistono diversi studi che suggeriscono che i bambini che ricevono un’educazione musicale ottengono risultati accademici migliori. Tuttavia, l’esistenza di una correlazione non significa che esista una causalità. Il bambino può ottenere questi risultati migliori grazie ad altri fattori legati, ad esempio, alle proprie capacità o all’ambiente familiare in cui si sviluppa. Quando vengono utilizzati disegni sperimentali rigorosi in cui esiste un gruppo di bambini assegnato casualmente che riceve istruzioni musicali e un altro gruppo di controllo che non lo fa, i risultati sono diversi. E anche se può sembrare sorprendente, sono stati condotti pochissimi esperimenti di questo tipo e con risultati poco chiari sui benefici cognitivi dell’attività musicale. Il gruppo di ricerca di Elisabeth Spelke ha analizzato queste problematiche in ricerche molto recenti (Mehr et al., 2013). In un esperimento, 29 bambini di quattro anni sono stati assegnati in modo casuale a lezioni di musica o arti visive di 45 minuti per sei settimane. Dopo tale periodo di tempo sono stati effettuati una serie di test e non sono state riscontrate differenze in quelli che misuravano la competenza linguistica e matematica dei bambini di entrambi i gruppi e una differenza molto piccola nei test spaziali. Come replica dell’esperimento precedente, i ricercatori ne hanno progettato uno simile al quale hanno partecipato 45 bambini, che sono stati assegnati al gruppo sperimentale che ha ricevuto lezioni di musica o ad un gruppo di controllo che non ha ricevuto alcun tipo di istruzione. E in questo caso non c’erano praticamente differenze tra i due gruppi (vedi figura 3):
Figura 3. Confronto tra la percentuali di risposte indovinate dal gruppo di musica (in nero) e il gruppo di controllo (in bianco) durante i diversi test linguistici, numerici, visivi o di orientamento (Mehr et al. 2013)
Ciò significa che l’insegnamento musicale non produce benefici cognitivi?
Ovviamente no. Da un lato sono necessari ulteriori studi per integrare questa ricerca e, dall’altro, questo studio non ha misurato l’intelligenza generale dei bambini come hanno fatto altri, ma era più mirato ad analizzare aree specifiche come la matematica. La verità è che, come afferma la stessa Elizabeth Spelke , il dibattito sull’importanza dell’educazione musicale in particolare, o dell’educazione artistica in generale, non dovrebbe concentrarsi sui benefici esterni (come il miglioramento matematico messo in discussione nel suddetto studio) ma su i benefici intrinseci dell’arte come quelli legati a questioni emotive o sociali. E questi non richiedono alcuna dimostrazione empirica. Nel 1993, un articolo apparso sulla rivista Nature riportava un temporaneo miglioramento nel ragionamento spaziale negli adulti durante l’ascolto di Mozart per 10-15 minuti (Rauscher et al., 1993). Questa scoperta è stata totalmente distorta dai media, inducendoli a credere che l’esposizione precoce dei bambini alla musica classica avrebbe migliorato il loro QI. La verità è che questo non è mai stato dimostrato e il cosiddetto “effetto Mozart” deve essere considerato un altro neuromito.
ARTI VISIVE
Il cervello umano ha sviluppato una straordinaria capacità di creare immagini mentali interne ed è stato anche dimostrato in studi di neuroimaging che le stesse regioni del cervello si attivano quando si vede una scena reale come quando la si immagina (Thompson et al., 2009). Questo è molto interessante, perché la visualizzazione è un potente strumento nei processi di memorizzazione.
Cosa può offrire un corso di disegno?
Se chiedessimo agli studenti cosa hanno imparato nelle lezioni di arti visive, la maggior parte sicuramente risponderebbe che hanno imparato a disegnare, dipingere o rappresentare un grafico. È logico che nei corsi d’arte si apprendano le tecniche artistiche corrispondenti, tuttavia si possono imparare molte più cose. Winner e i suoi collaboratori (2006) hanno identificato otto disposizioni (routine mentali) che gli studenti possono sviluppare nelle lezioni di arti visive e che possono essere trasferite ad altri ambiti di apprendimento: Utilizzo di strumenti e materiali: gli studenti apprendono le tecniche della disciplina utilizzando, ad esempio, pennelli e matite oppure colori e argilla. Partecipazione e perseveranza: gli studenti imparano a impegnarsi nella materia attraverso i progetti che realizzano. Immaginazione: gli studenti imparano a visualizzare e immaginare situazioni lontane dalla semplice osservazione. Espressione: gli studenti imparano a trasmettere una visione personale nel loro lavoro. Osservazione: gli studenti imparano a utilizzare la propria prospettiva e a percepire i dettagli meno evidenti. Riflessione: gli studenti imparano a spiegare, giustificare e valutare ciò che fanno con spirito critico. Esplorazione: gli studenti imparano ad andare oltre le loro creazioni, a correre nuovi rischi e ad imparare dai propri errori. Comprendere il mondo artistico: gli studenti imparano a relazionarsi con l’arte e a comprendere tutto ciò che è ad essa associato come gallerie, musei, ecc. Nessuno può dubitare dell’utilità di tutte queste disposizioni in nessuna delle materie curriculari (vedi figura 4).
Figura 4. Una lezione di biologia convertita in una lezione di arte
ARTI DELLO SPETTACOLO
Paradossalmente si riducono le attività scolastiche che implicano movimento, sia esso artistico come qualsiasi stile di danza o teatro o sportivo come nel caso dell’Educazione Fisica. Tuttavia, la ricerca neuroscientifica sta dimostrando la sua importanza a tutti i livelli, compreso quello cognitivo. Ad esempio, la danza è un ottimo modo per sviluppare tre aspetti del pensiero creativo: fluidità, originalità e capacità di astrazione (Bradley, 2002). D’altronde oggi sappiamo che gli stessi circuiti neurali che si attivano quando si compie un’azione si attivano anche quando si osserva un’altra persona mentre la compie. Questi neuroni specchio consentono l’imitazione, una potente forma di apprendimento. Vale la pena iscrivere mio figlio a teatro? In una ricerca in cui Catterall (2002) ha analizzato gli studi condotti sugli effetti del teatro negli ambienti scolastici, ha individuato numerosi benefici, alcuni dei quali direttamente legati alle materie curriculari e altri, che sono i più importanti, con lo sviluppo complessivo di la propria persona. I più rappresentativi sono i seguenti: Convertire concetti astratti in concetti concreti. Affronta i contenuti curriculari da una prospettiva più attraente. Migliora il tuo vocabolario. Avvicina l’apprendimento al mondo reale. Permette agli studenti di riflettere su ciò che fanno e di confrontare le loro opinioni con quelle degli altri. Promuove la tolleranza e il rispetto per gli altri. Migliora il tuo autocontrollo e la tua autostima. Fornisce una sensazione di libertà accompagnata da responsabilità. Nel mio caso particolare, posso assicurarvi che una delle soddisfazioni più grandi della mia esperienza di insegnamento deriva dall’aver visto come studenti con difficoltà di apprendimento o di relazione con i compagni hanno acquisito attraverso il teatro tutta una serie di abilità interpersonali che li hanno resi studenti migliori. soprattutto persone più felici.
IN PRATICA
Abbiamo già parlato della rilevanza delle arti in quanto tali, ma la cosa più importante è integrare le attività artistiche in ciascuna delle diverse materie curriculari assumendo una prospettiva transdisciplinare. Sarà un atto creativo (non possiamo chiedere ai nostri studenti di essere creativi se non lo siamo noi) che risveglierà la curiosità dello studente. E come abbiamo detto tante volte, questa carica emotiva faciliterà l’attenzione e quindi l’apprendimento. Quando siamo motivati, tutto è più facile.
Diamo un’occhiata ad alcuni esempi concreti (ulteriori informazioni in Sousa, 2011):
Arti visive
L’insegnante di Chimica chiede ai suoi studenti di disegnare un organizzatore grafico che mostri le fasi più importanti di un esperimento.
Musica .
L’insegnante di Storia chiede ai suoi studenti di riflettere nel testo di una melodia popolare gli eventi più significativi della Rivoluzione francese.
Poesia .
L’insegnante di matematica chiede ai suoi studenti di scrivere una strofa di una poesia sui passi da seguire per risolvere un’equazione matematica.
Teatro .
L’insegnante di inglese chiede ai suoi studenti di scrivere un finale alternativo per la commedia Romeo e Giulietta e di farne una ricostruzione teatrale. E possiamo continuare tanto quanto la nostra immaginazione ci consente. Possiamo trovare esempi in qualsiasi materia e in qualsiasi livello educativo. D’altra parte, nel caso di specifici curricula artistici, abbiamo già commentato che l’apprendimento basato su progetti è un’ottima opzione perché incoraggia più lavoro cooperativo, riflessione o autovalutazione rispetto agli approcci tradizionali, generando anche una maggiore motivazione intrinseca negli studenti. .
ULTIME CONCLUSIONI
Non si può negare che le attività artistiche sono radicate nello sviluppo dell’essere umano fin dalla nascita e che costituiscono una ricompensa cerebrale naturale necessaria per l’apprendimento. Perché la pratica di qualsiasi manifestazione artistica ha una componente emotiva associata che ci motiva e ci permette di contemplare il mondo che ci circonda da una prospettiva diversa, più estetica e più profonda. L’educazione artistica è fondamentale perché permette agli studenti di acquisire tutta una serie di competenze socio-emotive fondamentali per il loro sviluppo personale e che, inoltre, li rendono più felici. E questo è il vero apprendimento, ciò che li prepara alla vita. Il cervello umano, che è un organo complesso in continua ristrutturazione, accoglie le sfide e ha bisogno dell’arte.
Articolo di Jesus C. Guillén
Traduzione di Margherita Delfini
Fonte: https://escuelaconcerebro.wordpress.com/2015/01/31/por-que-el-cerebro-humano-necesita-el-arte/